Saturday, November 14, 2015

Os Grandes Diretores e Produtores do Cinema Retratados em Filmes Biográficos


                                    Diretores

Glauber – O Filme, Labirinto do Brasil (2002)
Glauber Rocha (14 de março de 1939 - 22 de agosto de 1981), foi um cineasta, ator e roteirista brasileiro. Foi um dos cineastas mais influentes do cinema brasileiro e figura-chave do Cinema Novo. Seus filmes Black God, White Devil e Entranced Earth são frequentemente considerados duas das maiores conquistas da história do cinema brasileiro,  sendo selecionados pela Abraccine como, respectivamente, o segundo e o quinto melhores filmes brasileiros de todos os tempos. 
O filme de Rocha possui um caráter fortemente vanguardista e experimental, fazendo dele uma figura seminal da nova onda. Suas obras são conhecidas por seus muitos matizes políticos, muitas vezes abordando a situação passivo-agressiva do Terceiro Mundo, a que Rocha se referiu metafórica e objetivamente como "fome" em seu ensaio Estética da Fome. Rocha ganhou o Prix de la mise en scène no Festival de Cannes de 1969 para Antonio das Mortes e o Prêmio Especial do Júri de 1977 para Melhor Curta-Metragem para Di. Três dos filmes de Rocha foram nomeados para a Palma de Ouro, incluindo Entranced Earth, que ganhou o FIPRESCI no Festival de Cannes de 1967 e o Grande Prêmio do Festival de Cinema de Locarno do mesmo ano.
Hitchcock é um filme norte-americano de 2012, dirigido por Sacha Gervasi.
Baseado no livro não fictício de Stephen Rebello:  Alfred Hitchcock e os Bastidores da Psicose.
Alfred Hitchcock interpretado por Anthony Hoppins
O filme foca na relação entre o diretor Alfred e sua esposa, Alma, durante as filmagens e lançamento do inovador filme Psicose em 1960. 
Psicose ajudou a mudar a abordagem cinematográfica sobre o terror, a reação do público foi impressionante, com filas que dobravam os quarteirões e muita gritaria na plateia nas cenas mais aterrorizantes. O filme teve como protagonista Janet Leigh, Anthony Perkins e Vera Miles, venceu o Globo de Ouro na categoria melhor atriz coadjuvante (Janet Leigh). O filme trouxe uma das cenas mais conhecidas da história do cinema, a famosa cena do chuveiro, quando a personagem de Janet Leigh é assassinada a facadas. O filme ficou na décima oitava posição entre os 100 melhores filmes do Instituto de Cinema Americano. O suspense de Alfred trouxe inovações técnicas nas posições e movimentos das câmeras, nas elaboradas edições e nas surpreendentes trilhas sonoras que realçam os efeitos de suspense e terror. O clima de suspense é acentuado pelo uso de música forte e os efeitos de luz. 
Em Psicose, somente o espectador vê a porta se entreabrir, esperando algo acontecer enquanto o detetive sobe a escada.


 A Garota -  The Girl (2012) é um filme britânico dirigido por Julian Jarrold.  Ele é baseado no livro de Donald Spoto: Enfeitiçado Pela Beleza: "Alfred Hitchcock e Suas Senhoras Líderes , que discute a relação do diretor com as mulheres que desempenharam papéis de destaque em seus filmes. O título de Garota foi inspirado pelo alegado apelido de Alfred para Tippi.
O filme retrata a obsessão de Alfred por Tippi, a modelo e atriz americana que ele trouxe de uma relativa obscuridade para estrelar o seu filme: Os Pássaros, produzido em 1963. Alfred se apaixona por sua protagonista; quando ela rejeita seus avanços, ele submete ela a uma série de experiências traumáticas durante as filmagens de Os Pássaros. A obsessão de Alfred por Tippi Hedren continua quando ela participa em sua próxima produção, Marnie. Tippi se torna cada vez mais desconfortável com suas atenções, e decide que ela precisa  escapar da situação. No entanto, ela não pode trabalhar em outro lugar por causa de seu contrato de exclusividade com Alfred; este efetivamente, poderá  terminar a sua carreira em Hollywood.
1- Alfred Joseph Hitchcock ( 13 de agosto de 1899 —  29 de abril de 1980) foi um cineasta britânico. Considerado o "Mestre dos filmes de suspense" , foi um dos mais conhecidos e populares realizadores de todos os tempos.
Em 1920, aos vinte e um anos, o jovem leu em uma revista que uma empresa de cinema dos Estados Unidos, iria criar um estúdio em Londres. Alfred apresentou-se com alguns esboços de letreiros para filmes mudos. Imediatamente, a empresa o contratou como desenhista de letreiros, e no ano seguinte passou a ser responsável por cenários e pequenos diálogos em novos filmes. Ele escrevia sob a direção de George Fitzmaurice, que também lhe ensinou as primeiras técnicas de filmagem.
Em 1923, o escritor, ator e produtor Seymour Hicks ofereceu a ele a co-direção de um filme menor, Always Tell Your Wife, pois o diretor original do filme havia ficado doente. Logo colaborou em um filme inacabado por falta de verba, Mrs. Peabody, esta foi a sua primeira experiência verdadeiramente cinematográfica. Alfred conheceu Alma Reville, da mesma idade dele, que trabalhava nos estúdios de cinema desde os 16 anos. Eles colaboraram em vários filmes dirigidos por Graham e Cutts, e viajaram para a Alemanha para produzir um filme cujo roteiro ele mesmo havia escrito, The prude's fall. No navio de retorno à Inglaterra, eles iniciaram um longo noivado.
 Em 1925, ele dirigiu uma co-produção anglo-alemã intitulada The Pleasure Garden.  The mountain eagle (que não existe mais, o que apenas sobrou foram seis fotos) The Lodger: A Story of the London Fog, foi seu início no suspense, que mostra a história de uma família que desconfia que seu inquilino seja Jack, o Estripador. Os três filmes estrearam em 1927.
Em 1926 casou-se com Alma.
Alma Reville ( 14 de agosto de 1899  —  6 de julho de 1982), esposa até a morte deste; foi uma roteirista e editora cinematográfica inglesa. Ela fez parcerias com diretores britânicos como Berthold Viertel e Elvey Maurice, porém, seus trabalhos mais consagrados foram com Alfred. Alma morreu de causas naturais aos 82 anos de idade, mesmo tendo sido diagnosticada com um câncer de mama, alguns anos antes de sua morte, do qual recuperou-se, por completo.

Dune de Jodorowsky (2013) é um documentário Americano-franco dirigido por Frank Pavich. O filme explora a tentativa mal sucedida de Alejandro  para adaptar o romance de ficção científica  de Frank Herbert, Dune, em filme nos meados dos anos 1970.
2- Alejandro Jodorowsky Prullansky (nascido 17 de fevereiro de 1929) é um chileno diretor de cinema e teatro, roteirista, dramaturgo, ator, autor, poeta, músico , escritor de quadrinhos e guru espiritual. Mais conhecido por seus filmes de vanguarda, ele foi "venerado por entusiastas do cinema do culto" para a sua obra que "é preenchido com imagens surreais e violentamente uma mistura híbrida de misticismo e provocação religiosa". 
Nascido de pais judeus e ucranianos no Chile, Alejandro experimentou uma infância infeliz, e assim mergulhou na leitura e na escrita de poesia. Abandonou a faculdade, ele se envolveu em teatro e, em especial, mime, trabalhando como  palhaço antes de fundar sua própria companhia de teatro, o Teatro Mimico, em 1947. Movendo-se para Paris no início de 1950, ele estudou mímica sob Étienne Decroux, antes de virar para cinema, dirigindo o curta-metragem Les Têtes interverties em 1957. A partir de 1960, ele dividiu seu tempo entre Paris e Cidade do México, no primeiro tornando-se um dos membros fundadores do anarquismo vanguardista Pânico, Movimento de artistas performáticos. Em 1966, ele criou sua primeira história em quadrinhos, Anibal 5.
 Em 1967, dirigiu seu primeiro longa-metragem, o surrealista Fando y Lis, o que causou um grande escândalo no México, chegando a ser banido. 
    Chaplin (1992) é um filme sobre a vida do comediante britânico Charlie Chaplin. Foi produzido e dirigido por Richard Attenborough e estrelado por Robert Downey, Jr. e Geraldine Chaplin no papel de sua própria avó paterna, Hannah Chaplin. O filme foi adaptado por dos livros: My Autobiography do próprio Chaplin e Chaplin: His Life and Art do crítico de cinema David Robinson. 
                                                        Charles Chaplin interpretado por Robert Downey Jr.
3- Charles Spencer Chaplin (16 de abril de 1889 — 25 de dezembro de 1977), foi um ator, comediante, diretor, empresário, escritor, produtor, humorista, , dançarino, roteirista e músico britânico. Charles foi um dos atores mais famosos da era do cinema mudo, notabilizado pelo uso de mímica e da comédia pastelão. É bastante conhecido pelos seus filmes O Imigrante, O Garoto, Em Busca do Ouro, O Circo, Luzes da Cidade, Tempos Modernos, O Grande Ditador, Luzes da Ribalta, Um Rei em Nova Iorque e A Condessa de Hong Kong.
Influenciado pelo trabalho dos antecessores e pela mímica, pantomima e o gênero pastelão, influenciou uma enorme equipe de comediantes e cineastas como Federico Fellini,  e outros diretores e comediantes. É considerado por alguns críticos o maior artista cinematográfico de todos os tempos, e um dos "pais do cinema".
Charlie escreveu, atuou, dirigiu, produziu e financiou seus próprios filmes, sendo fortemente influenciado por um antecessor, o comediante francês Max Linder, a quem dedicou um de seus filmes. A sua carreira no ramo do entretenimento durou mais de 75 anos, desde assuas primeiras atuações quando ainda era criança nos teatros do Reino Unido durante a Era Vitoriana,  até sua morte aos 88 anos de idade. 
Claude Lanzmann: Fantasmas do Shoah - Claude Lanzmann: Spectres of the Shoah (2015)
O diretor discute seu inovador documentário de 1985 "Soah".  Shoah, é uma história oral de nove hora e meia do Holocausto, amplamente considerado como o filme mais importante sobre o assunto. Shoah é feito sem o uso de qualquer filmagem histórica, e usa apenas em primeira pessoa o testemunho de judeus, polacos, e os indivíduos alemães e imagens contemporâneas de vários sites relacionados ao Holocausto. Quando o filme foi lançado, o diretor também publicou o texto completo.
4-  Claude Lanzmann (nascido em 27 de novembro de 1925) é um cineasta francês. Ele nasceu em Paris, em uma família judia. A sua família se escondeu durante a Segunda Guerra Mundial. Aos 17 anos, ele juntou-se à resistência francesa. Ele se opôs à guerra franceses na Argélia.
De 1952 a 1959 viveu com Simone de Beauvoir. 
Em 1963 ele se casou com a atriz Judith Magre. Eles se divorciaram.
 Em 1971,  ele se casou com Angelika Schrobsdorff, uma escritora judaica-alemã, de quem se divorciou também.
Em 1995 se casou com Dominique Petithory. Ele é o pai de Angélique Lanzmann, nascida em 1950 e Félix Lanzmann, nascido em 1993.
Claude discordou, às vezes com raiva, com as tentativas de compreender o porquê de Hitler, afirmando que o mal de Hitler não podem ou não devem ser explicados e que para fazê-lo é imoral e uma obscenidade.
Ele é editor-chefe da revista Les Temps Modernes, que foi fundada por Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir. 
Em 2009, ele publicou suas memórias sob o título Le lièvre de Patagonie (A lebre da Patagônia). Atualmente, ele é professor na Suíça

ED Wood (1994) baseado no livro de Rudolph Grey:  Pesadelo de Êxtase : A Vida e Arte de Edward D. Wood, Jr., 
  do diretor Tim Burton,  estrelado por Johnny Depp  que ganhou duas estatuetas do Oscar.
5- Edward Davis Wood, Jr. (10 de outubro de 1924 — 10 de dezembro de 1978) foi um produtor e diretor estadunidense de filmes de terror, ficção científica e eróticos. Os seus trabalhos se destacaram pela inventividade frente aos limitados recursos técnicos e orçamentários dos quais dispunha. Com efeitos especiais considerados um tanto quanto duvidosos no que diz respeito à qualidade, tinha cenas muitas vezes apresentadas de forma descontínua, com reaproveitamento constante de material não utilizado em outras produções.  Ele foi responsável pelos últimos filmes de Bela Lugosi, o célebre intérprete do Conde Drácula, de quem o diretor era grande admirador.
Ele foi considerado por muitos críticos o "pior cineasta" de todos os tempos e do planeta inteiro. Apesar do descrédito por parte dos críticos de cinema, seus filmes acabam por manter um certo ar humorístico, contando hoje em dia com uma legião de fãs.
O filme de maior sucesso de Ed Wood foi filmado em 1956 sob o título original de Plano 9 do Espaço Sideral.

Bergman Island
O documentário é filmado, principalmente  na casa de Ingmar Bergman. Esta é a primeira vez que um cineasta tem acesso a  sua casa na pequena ilha Fårö, no Mar Báltico. 
Parte 1- O Cinema começa com Frenzy de 1944 e termina com Saraband a partir de 2003. Ele contém único  material atrás das cenas do arquivo privado de Ingmar.:
 Parte 2- Teatro é sobre algumas das encenações teatrais 125 de Igmar e sobre o seu prazer com o meio de TV e com sucessos como Cenas de um casamento. 
Parte 3- Ele fala sobre a infância que lhe deu forma. Ele mostra onde rodou seu filme Persona e como se apaixonou - e ele lista seus piores demônios!
7- Ernst Ingmar Bergman ( 14 de julho de 1918 —  30 de julho de 2007) foi um dramaturgo e cineasta sueco. Diretor de alguns dos mais influentes e aclamados filmes de todos os tempos (Persona, O Sétimo Selo,  Fanny  Alexander e Cenas de um Casamento) alguns dos temas centrais das obras do diretor são voltadas para um estudo psicológico dos personagens e a má influência da religião na vida das pessoas.
Ele foi casado cinco vezes:
Os quatro primeiros casamentos terminaram em divórcio, enquanto o último terminou quando sua esposa Ingrid morreu de câncer de estômago em 1995. Além de seus casamentos, ele teve relacionamentos românticos com as atrizes Harriet Andersson (1952-1955), Bibi Andersson (1955- 59), e Liv Ullmann (1965-1970). Ele era o pai do escritor Linn Ullmann com Liv Ullmann. Ao todo, ele teve nove filhos, um dos quais faleceu antes dele. ele foi casado com todas as mães, exceto Liv Ullmann, mas sua filha com sua última esposa, Ingrid von Rosen, nasceu doze anos antes de seu casamento.
Chá com Mussolini 
Em 1930 na Itália fascista, o adolescente Luca (Charlie Lucas) acaba de perder sua mãe. O seu pai, um homem de negócios insensíveis, envia-o para ser cuidado pela expatriada britânica Mary Wallace . Mary e seus amigos em cultura - incluindo a artista Arabella , jovem viúva Elsa (Cher) e arqueólogo Georgie (Lily Tomlin) - mantém um olhar atento sobre o menino. Mas as vidas das mulheres tomam um rumo dramático quando as forças aliadas declaram guerra contra Mussolini.
Este filme é a história de:
6- Franco Zeffirelli, (nascido em 12 de fevereiro de 1923) é um diretor e produtor italiano de óperas, filmes e televisão. Ele também é um ex-senador (1994-2001).
Alguns de seus projetos e produções operísticas tornaram-se clássicos em todo o mundo . Ele também é conhecido por vários dos filmes que ele dirigiu, especialmente a versão 1968 de Romeu e Julieta, pelo qual recebeu uma indicação ao Oscar. A sua versão 1967 de A Megera Domada com Elizabeth Taylor e Richard Burton continua a ser a adaptação para o cinema mais conhecida, a sua minissérie Jesus de Nazaré (1977) ganhou elogios e ainda é mostrada no fim de semana de Páscoa em muitos países.
Prêmios:
A Grande Ufficiale OMRI da República Italiana em1977.
 Título de cavaleiro honorário do governo britânico em 2004.


De Caligari a Hitler - From caligari to Hitler (2014)
Uma visão geral da era de ouro do filme alemão entre a primeira e segunda guerras mundiais comemorando cineastas como Fritz Lang e F. W. Murnau. Adaptado do livro do critico de cinema Siegfried kracauer.
- Friedrich Anton Christian Lang, conhecido como Fritz Lang ( 5 de Dezembro de 1890  2 de Agosto de 1976) foi um cineasta, realizador, argumentista e produtor nascido na Áustria, mas dividiu a sua carreira entre a Alemanha e Hollywood. Aos 21 anos mudou-se para Munique (1911), onde estudou pintura e escultura.
Ele fez numerosas viagens (África do Norte, Próximo Oriente, China, Japão…). De regresso à Alemanha, participou na Primeira Guerra Mundial e foi gravemente ferido, tendo perdido um olho. No hospital começou a escrever roteiros para Joe May os quais eram dotados de um forte grafismo, no campo do fantástico e do demoníaco. O êxito desses argumentos levou a que fosse convidado para realizar filmes.
A efervescência cultural, política e social da Berlim do pós-guerra, se reflete nas suas primeiras obras. Em 1919 estreou na direção com um filme chamado Halbblut. Alcançou o primeiro sucesso com Os Espiões, do mesmo ano de sua estréia.
Em 1921 casou-se com a roteirista Thea Von Harbou, que escreveu os argumentos de quase todos os filmes desta primeira fase da carreira. As películas que Lang dirigiu ainda na fase do cinema mudo ficariam para a história como alguns dos maiores expoentes do expressionismo alemão:
* Metropolis (1927) - obra sobre a relação entre as máquinas e os trabalhadores nas grandes cidades, com ênfase pro sentimento de humanidade perdido no processo. Um de seus maiores trabalhos;
Spione (1928) - a luta contra uma organização misteriosa e implacável;
M (1931) - uma das obras mais lendárias e um dos expoentes máximos da sua carreira.
O casal foi convidado por Adolf Hitler, por intermédio do Ministro da Propaganda, Joseph Goebbels, para produzir filmes para o Partido Nazista. Hitler era fã de cinema, e conta a lenda que a sua decisão de convidar Lang surgiu após ter assistido Metropolis . Enquanto que Thea aceitou a função, Lang fugiu para Paris, onde chegou a produzir filmes antinazistas. Em 1934, depois de se ter divorciado de Thea, emigrou para os Estados Unidos.Começa então a sua fase mais incompreendida.
A crítica que unanimemente tinha enaltecido os seus filmes alemães, era agora também quase unânime a subvalorizar as obras que realizava nos Estados Unidos, argumentando que Lang se teria subjugado aos produtores americanos, desperdiçando o seu talento em filmes comerciais. Só na década de 50 se percebeu a injustiça, quando uma boa parte dessa crítica começou a reconhecer a grande qualidade da maioria dos filmes dirigidos pelo cineasta alemão em Hollywood. Ele foi um dos primeiros cineastas a dirigir Marilyn Monroe - no filme Só a Mulher Peca.
23- Friedrich Wilhelm Murnau, ou simplesmente F. W. Murnau, nascido Friedrich Wilhelm Plumpe ( 28 de dezembro de 1888  — 11 de março de 1931), foi um dos mais importantes realizadores do cinema mudo, do cinema expressionista alemão e do movimento Kammerspiel.
Ele estudou filosofia, literatura, música, e história das Artes nas universidades de Heidelberg e Berlim. Frequentou a escola de arte dramática de Max Reinhhardt, que exerceu grande influência em seu estilo cinematográfico.
Iniciou a carreira no cinema em 1919. Em 1920, realizou uma versão do O Médico e o Monstro de Robert L. Stevenson, Der Januskopf. Em 1922, filmou Nosferatu, um dos clássicos do expressionismo no cinema. Em 1924, realizou o filme “O último Homem” e Fausto, baseado na obra do escritor Goethe, em 1926. A obra-prima de Murnau foi o filme Aurora, em 1927. Ele morreu em 1931 num acidente automobilístico em Santa Barbara, Califórnia (EUA). O carro estava sendo dirigido por um jovem filipino de 14 anos, amante de Murnau.  

O filme de 1999 RKO 281, sobre a realização de Citizen Kane,
8- George Orson Welles (06 de maio de 1915 - 10 de outubro de 1985) foi um americano ator, diretor, escritor e produtor que trabalhou em teatro, rádio e cinema. Ele é lembrado por seu trabalho inovador : no teatro, no rádio  e nos filmes.

Deuses e Monstros é um filme estadunidense, dirigido e escrito por Bill Condon. O filme ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado. Um poderoso diretor de Hollywood aposentado e com  problemas de saúde e sua governanta robusta, Hanna que  calmamente desaprova os amantes gays jovens, mas quando o diretor se interessa por o novo jardineiro Clayton Boone, um ex-veterano da Marinha e da Guerra da Coreia, parece ser algo mais do que sua conquista ocasional habitual.
9 - James Whale (22 de julho, 1889-29 de maio de 1957) foi um cineasta radicado Britânico nos Estados Unidos da América, Melhor conhecido por seu trabalho em filmes de horror Bastante populares, principalmente Frankenstein (1931), A noiva de Frankenstein (1935 ) e O Homem Invisível (1933).
James Whale viveu como um homem abertamente homossexual em toda a sua carreira no teatro britânico e em Hollywood, algo que era praticamente desconhecido na década de 1920 e 1930. Ele e David Lewis viviam juntos como um casal de cerca de 1930 a 1952.  Como o conhecimento de sua orientação sexual tornou-se mais comum, alguns de seus filmes, Noiva de Frankenstein em particular, têm sido interpretadas como tendo um subtexto gay e que tem sido afirmado que a sua recusa em permanecer no armário levou ao fim da sua carreira. No entanto, seus associados rejeitaram as noções de que sua sexualidade  lhe custou a  sua carreira como diretor de cinema que em 1941 tinha acabado. Ele continuou a dirigir para o palco e também redescobriu seu amor pela pintura e viagens. Seus investimentos o fêz rico e vivia uma aposentadoria confortável até sofrer derrames em 1956 que lhe roubou o seu vigor e deixou-o na dor. Ele cometeu suicídio em 29 de Maio 1957, afogando-se em sua piscina. e deixou uma nota
"Para todos que amo, Não se aflija por mim. Meus nervos estão todos acabados desde o ano passado, estive em agonia dia e noite, exceto quando eu dormia com as pílulas para dormir e somente  eu tenho paz por dia, quando estou drogada por comprimidos.
"Eu tive uma vida maravilhosa, mas os meus nervos pioraram e eu tenho medo que eles vão ter que me levar embora. Então, por favor, perdoe-me, todos aqueles que eu amo e que Deus me perdoe também, mas eu não posso suportar a agonia e [é] o melhor para todos desta forma.
"O futuro é apenas velhice, doença e dor. Adeus e obrigado por todo o seu amor. Eu devo ter paz e esta é a única maneira." "Jimmy"

Seduzido e Abandonado: Os Bastidores de Cannes -  Seduced and Abandoned (2013) Documentário ‧ Direção e Roteiro : James Toback. A jornada de Jame e ator Alec Baldwin, como eles tentam vender um conceito de filme no Festival de Cannes em 2012. A participação em várias sessões de campo com produtores, bem como entrevistas com diretores e atores, a dupla explora o  aspecto da produção e financiamento de filmes.
10- James Lee Toback (23 de novembro de 1944) é um roteirista e diretor de cinema norte-americano. Ele nasceu na cidade de Nova Iorque.
James Toback nasceu em uma família judia em Manhattan, na cidade de Nova York. Sua mãe, Selma Judith, era presidente da Liga das Eleitoras e moderadora de debates políticos na NBC. Seu pai, Irwin Lionel Toback, era corretor da bolsa e ex-vice-presidente da Dreyfus & Company. 
Em 1966, se formou  pela Universidade de Harvard. Enquanto cursava a faculdade, James tomou o que ele afirma ser a maior dose única de LSD de todos os tempos. Ele permaneceu sob a influência da droga por oito dias antes de ser administrado um antídoto pelo neuropsiquiatra Max Rinkel. De acordo com James, ele perdeu todo o medo da morte devido a esta experiência.
James Toback foi casado por um ano (1968–1969) com Consuelo Sarah Churchill Vanderbilt Russell, a neta de John Spencer-Churchill, 10º duque de Marlborough. Atualmente é casado com Stephanie Kempf, com quem tem um filho.
Em 22 de outubro de 2017, o Los Angeles Times relatou que 38 mulheres acusaram Toback de assédio ou agressão sexual. Desde que o artigo foi publicado, 357 mulheres adicionais contataram o Los Angeles Times e disseram que Toback as havia assediado sexualmente. As contas se estendem por um período de 40 anos.


11- Bernardo Bertolucci (16 de março de 1941) é um cineasta e roteirista italiano. Antes de fazer cinema, estudou na Universidade de Roma e ganhou fama como poeta.
Em 1961 trabalhou como assistente de direção no filme Accattone, de Pier Paolo Pasolini.
Em 1962, dirigiu La commare secca.
Em 1967, escreveu o roteiro de Era uma vez no oeste, um dos melhores filmes de Sérgio Leone.
Em 1970, nos Estados Unidos, dirigiu O conformista
Em 1972, dirigiu O último tango em Paris.
Depois de fazer 1900, um filme monumental e muito ambicioso, ele partiu para o drama intimista em La Luna.
 Em 1987, consagrou-se com O Último Imperador, que recebeu nove Oscars, incluindo os de melhor filme e melhor diretor.
Em 1990, NO céu que nos protege, nova obra-prima, rodado em em pleno deserto do Sahara. Seguiram-se O Pequeno Buda e Beleza Roubada.
Ele é um cineasta ousado, que gosta de movimentos de câmara sofisticados, roteiros inteligentes e não tem medo de experimentar, mesmo quando trabalha com grandes orçamentos.

 Método Para a Loucura Com Jerry Lewis como produtor executivo, este é, em essência, uma autobiografia. Ele segue sua carreira de forma cronológica a partir da parceria de 10 anos com Dean Martin para a carreira de Lewis como escritor, produtor, diretor e ator em uma série da Paramount Pictures. A cronologia é contada através de clips de arquivo, comentários de membros da família e amigos de Hollywood, comentários do próprio Lewis, e clipes dele em uma boate aparência contemporânea. Jerris promete viver mais do que George Burns.

12- Jerry Lewis  (nascido em 16 março de 1926) é um americano ator, cantor, comediante, diretor e produtor de cinema, roteirista e é conhecido por seu humor pastelão no cinema, televisão, teatro e rádio. A sua carreira começou em 1946, com um ato em conjunto com Dean Martin, formando a equipe de Martin e Lewis, que começou em casas noturnas e mais tarde apareceu em uma série de filmes de comédia até os dois se separarem em 1956, depois de dez anos como dupla. Então, em 1957, Jerry passou a estrelar em muitos outros filmes, como Delinquente Delicado (sua estréia como produtor de cinema), Escândalo de Hotel (sua estréia como diretor de cinema, roteirista e  desenvolvimento de vídeo) e O Professor Aloprado. 

John vai Para Guerra - John Ford Goes to War (2002) Este filme documentário mostra o perfil de John Ford.
13- John Ford, também creditado como Jack Ford, nascido com o nome de Sean Aloysius O'Fearna ou John Martin Feeney (1 de Fevereiro de 1894 –  31 de agosto de 1973)  Alguns dos seus filmes são presenças assíduas entre as escolhas dos cinéfilos de todo o mundo. De facto, filmes como Stagecoach (No tempo das diligências), Young Mr. Lincoln (A mocidade de Lincoln), ou The Searchers (Rastros de ódio), são frequentemente citados como sendo alguns dos melhores filmes de sempre.
John era descendente de Irlandeses - muitos dos seus filmes têm referências à sua ascendência.
Na juventude, trabalhou conduzindo uma carroça de peixe, e posteriormente foi entregador e publicista de uma fábrica de calçados. À noite, trabalhava como lanterninha do Teatro Jefferson e no Ponto da Jóia, apaixonando-se, assim, pelo teatro.

Dirigido por John Ford (1971) é um documentário dirigido por Peter Bogdanovich, que abrange a vida e a carreira de diretor de cinema.
Ele tentou ingressar na Academia Naval, mas não passou no exame de admissão, e resolveu partir para a Califórnia, onde seu irmão, o ator-diretor Francis Ford já morava.
Em 1914, ele começou a atuar como ator.
Em 1917, iniciou-se na direção, com o filme The Tornado ("O Furacão"), , onde também era ator. Neste ano, com o filme Soul Herder ("O Arrebanhador de Almas"), da Universal, iniciou uma associação com Harry Carey, a qual duraria quatro anos e renderia 29 filmes. Entre 1917 e 1919, ele dirigiu 31 Westerns.
Em 1920 assinou com William Fox.
Em 1923, quando dirigiu Camo Kirby ("Sota, Cavalo e Rei"), é que foi creditado como John Ford.
Em 1924,  a consagração viria com The Iron Horse ("O Cavalo de Ferro"), seu segundo grande épico da conquista do oeste.
Em 1926, ele encerra sua fase de cinema mudo. A partir de então se tornou, segundo a crítica, um dos maiores contribuidores para o desenvolvimento do cinema, em especial do gênero Western. Dedicou-se, porém, aos mais variados gêneros, voltando ao Western em 1939, com Stagecoach ("No Tempo das Diligências"), que destacou John Wayne então em início de carreira.
Durante a Segunda Guerra Mundial, o comandante John Ford, USNR, serviu na Marinha dos Estados Unidos e como chefe da unidade fotográfica para o Escritório de Serviços Estratégicos, fez documentários para o Departamento da Marinha. Ele ganhou mais dois Oscar, durante este tempo, um para o semi-documentário A Batalha de Midway (1942), e um segundo para o filme de propaganda 07 de dezembro (1943). Na Batalha de Midway, ele foi ferido no braço por estilhaços durante as filmagens do ataque japonês a partir da usina de Sand Island em Midway.
Ele também esteve presente na praia de Omaha no Dia-D. Ele cruzou o Canal Inglês no USS Plunkett (DD-431), ancorado ao largo da praia de Omaha. Ele filmou a batalha por trás dos obstáculos da praia. O filme foi editado em Londres, mas muito pouco foi lançado para o público. John explicou em uma entrevista de 1964, que o Governo dos EUA " teve medo de mostrar tantas baixas americanas na tela",
O seu último filme de guerra foi They Were Expendable (MGM, 1945), um relato da desastrosa derrota dos Estados Unidos nas Filipinas, contada a partir do ponto de vista de um esquadrão barco PT e seu comandante.
Em 1965, ele dirigiu seu último filme, Seven Women ("Sete Mulheres"), após o que dirigiu ainda alguns documentários para a televisão.
Em 51 anos de carreira, ele dirigiu 133 filmes. Ele faleceu de câncer, ao lado da esposa Mary McBride Smith Ford. 

Milius (2014) Documentário Americano Direção: Joey Figueroa, Zak Knutson
Elenco: John Milius, Steven Spielberg, Arnold Schwarzenegger mais
15- John Frederick Milius (nascido em 11 de abril de 1944) é um americano roteirista, diretor e produtor de filmes. Ele foi um dos escritores para os dois primeiros filmes de Dirty Harry, recebeu uma indicação ao Oscar como roteirista de Apocalypse Now, e escreveu e dirigiu The Wind and the Lion, Conan, o Bárbaro e Red Dawn.
Quando ele tinha sete anos, seu pai vendeu o seu negócio, se aposentou e mudou-se para Califórnia, onde ele tornou-se um surfista entusiasta. Quando ele tinha quatorze anos seus pais o enviaram para uma pequena escola particular. Ele se tornou um leitor voraz e começou a escrever histórias curtas . "Eu tinha aprendido muito cedo, a escrever em quase qualquer estilo. Eu poderia escrever em Hemingway fluente, ou fluente Melville, ou Conrad, ou Jack Kerouac, e qualquer que seja."  Ele diz que também foi influenciado pela história oral, contadas pelos surfistas na época, que tinha uma tradição beatnik. 
John tentou se juntar ao Corpo de Fuzileiros Navais e voluntários para o serviço do Vietnã na década de 1960, mas foi rejeitado devido a um caso crônico de asma. "Foi totalmente desmoralizante", disse ele mais tarde. "Eu perdi indo para a minha guerra. Ele provavelmente me levou a estar obcecado com a guerra desde então." 
Durante um dia chuvoso em férias de verão no Havaí, ele tropeçou em um cinema mostrando uma semana de filmes de Akira Kurosawa e caiu no amor com o cinema. 
Ele estudou cinema na Universidade do Sul da Califórnia Escola de Cinema e Televisão, onde seus colegas incluíram George Lucas, Basil Poledouris, Randal Kleiser e Don Glut. 
Ele diz que ele foi influenciado por seu professor, Irwin Blacker: Ele deu-lhe a forma de roteiro, que eu odiava tanto, e se você cometeu um erro no formulário, você foi reprovado na classe. Sua atitude foi que o mínimo que você pode aprender é a forma. "Eu não posso dar nota para você sobre o conteúdo. Eu não posso dizer se isso é uma história melhor para você escrever do que isso, sabe? E eu não posso ensiná-lo a escrever o conteúdo, mas eu certamente posso exigir que você faça da forma correta "Ele nunca falou sobre arcos de personagem ou qualquer coisa assim.; ele simplesmente falou sobre contar uma boa história. Ele disse: "Faça o que você precisa fazer. Seja tão radical e tão escandaloso quanto você pode ser. Tome qualquer tipo de abordagem que pretende tomar. Sinta-se livre para flash back, não hesite em Flash Forward, sinta-se livre para flash back no meio de um flashback. Sinta-se livre para usar narração, todas as ferramentas estão lá para você usar. "
John Milius diz que foi influenciada por dois romances em particular, Moby Dick e na estrada:

O Mundo Imundo de John Waters - The Filthy World of John Waters. Este  filme é um homem show / documentário de John Waters, sobre as origens do seu gênero lixo e sua carreira de sucesso em Hollywood. Ele foi filmado no Harry Dejour Playhouse em Nova York em 2006
24- John Samuel Waters, Jr.  ( 22 de abril de 1946) é um cineasta, ator, escritor, jornalista, artista visual e colecionador de arte estadunidense, que obteve destaque no início da década de 1970 por seus filmes
cinematográficos  transgressivos. Os filmes de John são estrelados por sua trupe regular de colaboradores, conhecida como Dreamlanders.
Em 1977,  a partir de Desperate Living, John começou a trabalhar com criminosos condenados (como Liz Renay e Patty Hearst) e pessoas sem boa reputação no meio artístico (como a atriz pornô Traci Lords).
Em 1988, ele começou a obter êxito comercial com Hairspray,  que rendeu oito milhões de dólares nas bilheterias dos Estados Unidos e deu início à carreira de Ricki Lake.
 Após o sucesso os seus filmes começaram a ser estrelados por atores mais familiares do grande público, como Johnny Depp e Melanie Griffith.
Apesar de ter apartamentos em Nova Iorque e São Francisco, além de um casa de verão em Provincetown, Waters ainda reside em sua cidade natal de Baltimore, onde se desenrola a história de todos os seus filmes.
Lixo Divina - Divine Trash é um filme de 1998 documentário dirigido por Steve Yeager sobre a vida e obra de John Waters.
John começou a obter êxito comercial com Hairspray, de 1988, que rendeu oito milhões de dólares nas bilheterias dos Estados Unidos e deu início à carreira de Ricki Lake. Em 2002, Hairspray foi adaptado como um musical da Broadway. Mais tarde, em 2007, o musical foi adaptado para o cinema e arrecadou mais de duzentos milhões de dólares nas bilheterias de todo o mundo. Após o sucesso da versão original de Hairspray, os filmes de Waters começaram a ser estrelados por atores mais familiares do grande público, como Johnny Depp, Edward Furlong, Melanie Griffith, Chris Isaak, Johnny Knoxville, Martha Plimpton, Christina Ricci, Lili Taylor, Kathleen Turner e Tracey Ullman.
Apesar de ter apartamentos em Nova Iorque e São Francisco, além de um casa de verão em Provincetown, Waters ainda reside em sua cidade natal de Baltimore, onde se desenrola a história de todos os seus filmes. Ele é mais reconhecido por seu fino bigode, um visual que mantém desde o começo da década de 1970.


           14- José Mojica Marins ( 13 de março de 1936) é um cineasta, ator, roteirista de cinema e televisão brasileiro. Mojica também é conhecido como Zé do Caixão, seu personagem mais famoso.
Embora Mojica seja conhecido principalmente como diretor de cinema de terror, teve trabalhos anteriores cujos gêneros variaam entre faroestes, dramas, filmes de aventura, dentre outros, incluindo filmes do gênero pornochanchada.Mojica desenvolveu um estilo próprio de filmar que, inicialmente desprezado pela crítica nacional, passou a ser reverenciado após seus filmes começarem a ser considerados cult no circuito internacional. 
Em todos seus filmes, com exceção de Encarnação do Demônio, José Mojica Marins foi dublado. Na década de 1960, diversos filmes nacionais necessitavam ser dublados, por diversas razões: nitidez de som nas externas e até realçar uma melhor interpretação. Algumas vezes o próprio ator dubla o seu personagem, mas em outras ocasiões necessitava de um profissional qualificado para um melhor desempenho. 
Nascido em uma fazenda, na Vila Mariana, em São Paulo, é filho dos artistas circenses Antônio André e Carmen Marins e neto do espanhol José Marins que chegou ao Brasil em 1904. Seu tio  foi toureiro enquanto o avô,  fazia performance de toureiro vestido de palhaço no picadeiro.
Criança, passava horas lendo gibis, assistindo a filmes na sala de projeção do Cinema em que seu pai trabalhava, brincava de teatro de bonecos e montava peças com fantasias feitas de papelão e tecido. Quando tinha 3 anos, a família de Mojica veio a se mudar para os fundos de um cinema na Vila Anastácio. O pai de Mojica passou a ser gerente do cinema.
Depois que ganhou uma Câmera V-8, aos 12 anos, não mais parou de fazer cinema, essa era a sua vida. Muitos de seus filmes artesanais feitos nessa época eram exibidos em cidades pequenas, cobrindo assim os custos de produção. Autodidata, montou uma escola de interpretação para amigos e vizinhos e quando tinha 17 anos, depois de vários filmes amadores, fundou com ajuda de amigos, a Companhia Cinematográfica Atlas. Especializado em terror escatológico, criou uma escola de atores (1956), onde na década seguinte, montaria uma sinagoga (1964), no bairro de Brás, onde fazia experiências com atores amadores, usando insetos para medir sua coragem.
Em 1958,  concluiu A Sina do Aventureiro, em lente 75 mm, com apenas duas pessoas que não eram da escola de atores. A Sina do Aventureiro é um faroeste caboclo, lançado no Cine Coral em São Paulo.
"Para fazer sucesso, eu usei um estratagema. Eu pegava os meus alunos, numa época em que os cinemas tinham fila, e dividia um grupo de alunos numa fila, outro grupo em outra e mais outra. Todos eram atores, né? Então ficavam todos no meio da fila e diziam: “Pô, a gente perdendo tempo nessa fila, passando uma fita tão boa no Cine Coral!”. Com isso, eles saíam de lá e levavam o pessoal da fila. E ia todo mundo para o Cine Coral. A fita foi muito bem nas capitais. Estourou em Salvador, em Porto Alegre. Porque ela tem uma miscelânea de Nordeste, de roupa nordestina com roupa gaúcha, com roupa americana. Eu misturo tudo, tem uma miscelânea. No final, tem uma curiosidade: a fita realmente agradou, só não agradou aos padres. Aí eu tive uma desavença com os padres que me acompanharia a vida toda".— José Mojica Marins
Depois de aceitar a proposta de Augusto de Cervantes, de fazer um filme que agradasse aos padres, ele criou a história de Meu Destino em Tuas Mãos e procurou Ozualdo Candeias para fazer o roteiro - que não foi creditado. As tragédias familiares são apresentadas pelo cineasta com requintes de maldade, temperados por aquele neo-realismo involuntário das produções sem dinheiro. A direção de Mojica deixou o filme ainda mais cru e violento. O filme, apesar de ter agradado os padres, não teve repercussão nenhuma e acabou esquecido.




 Uma Viagem com Martin Scorsese pelo Cinema Americano - A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (1995) ‧ Documentário ‧ 3h 45m. Direção: Martin Scorsese, Michael Henry Wilson. No filme de Martin examina uma seleção de seus filmes americanos favoritos agrupados de acordo com quatro diferentes tipos de diretores: o diretor como contador de histórias; o diretor como um ilusionista: D. W. Griffith ou Friedrich Wilhelm Murnau, que criou novas técnicas de edição, entre outras inovações que fizeram a aparência de som e cor possível mais tarde; o diretor como um cineastas smuggler- como Douglas Sirk, Samuel Fuller, e Vincente Minnelli, que usou para ocultar mensagens subversivas em seus filmes; e o diretor como um iconoclasta, esses cineastas atacando convencionalismo sociais - Charles Chaplin, Erich von Stroheim, Orson Welles, Elia Kazan, Nicholas Ray, Stanley Kubrick, Arthur Penn, e Sam Peckinpah.
16- Martin  Charles Scorsese ( 17 de novembro de 1942) é um premiado cineasta, produtor de cinema, roteirista e ator norte-americano.
É amplamente considerado como um dos maiores diretores de todos os tempos. Em 2007, depois de tantas vezes ser ignorado, venceu o Oscar de Melhor Diretor com Os infiltrados.. As suas obras mais conhecidas são: A Última Tentação de Cristo,Os Bons Companheiros,Cassino, Gangues de Nova Iorque, O Aviador, A Ilha do Medo, A Invenção de Hugo Cabret e O Lobo de Wall Street.

Mike Nichols dirigido por Eliane May. 
17-  Mike Nichols dirigiu filmes como "A Primeira Noite de Um Homem" "Jogos do poder"
 e " Uma Secretária de Futuro " " Quem tem Medo de Virginia Woolf". Incluí entrevistas com amigos famosos.Nichols nasceu Mikhail Igor Peschkowsky em 6 de novembro de 1931, em Berlim, Alemanha, filho de Brigitte (nascida Landauer) e Pavel Peschkowsky, um médico. Seu pai nasceu em Viena, Áustria, em uma família de imigrantes judeus-russos. A família do pai de Nichols era rica e morou na Sibéria, partindo após a Revolução Russa e se estabelecendo na Alemanha por volta de 1920. A família da mãe de Nichols era composta de judeus alemães. Seus avós maternos foram Gustav Landauer, um importante teórico do anarquismo, e a autora Hedwig Lachmann. Nichols era um primo de terceiro grau duas vezes removido do cientista Albert Einstein, pela mãe de Nichols.
Em abril de 1939, quando os nazistas prendiam judeus em Berlim, Mikhail, de sete anos, e seu irmão de três, Robert, foram enviados sozinhos aos Estados Unidos para se juntar ao pai, que havia fugido meses antes. Sua mãe se juntou à família fugindo pela Itália em 1940. A família mudou-se para Nova York em 1939. Seu pai, cujo nome original era Pavel Nikolaevich Peschkowsky, mudou seu nome para Paul Nichols, Nichols derivado de seu patronímico russo. Antes de Paul Nichols receber sua licença médica nos Estados Unidos, ele foi empregado de um sindicato na 42nd Street, fazendo raios-X a membros do sindicato. Mais tarde, ele teve uma prática médica bem-sucedida em Manhattan, permitindo que a família morasse perto do Central Park. Nichols se casou quatro vezes; os três primeiros terminaram em divórcio, o último após sua morte.  Ele também teve um caso discreto de uma década com o fotógrafo Richard Avedon, de acordo com o diretor do estúdio e gerente de negócios da Avedon. 
O primeiro casamento de Nichols foi com Patricia Scot. O segundo foi com Margot Callas, uma ex-"musa" do poeta Robert Graves, de 1963 a 1974. O casal teve uma filha, Daisy Nichols. Seu terceiro casamento, com Annabel Davis-Goff, gerou dois filhos, Max Nichols e Jenny Nichols; eles se casaram em 1975 e se divorciaram em 1986.  A quarta foi com a ex-âncora do ABC World News Diane Sawyer, com quem se casou em1988. Nenhuma de suas esposas era judia e seus filhos não foram criados de acordo com uma religião, mas eles se identificam como judeus.  Seu filho Max se casou com a jornalista da ESPN Rachel Nichols.
Nichols teve um interesse vitalício por cavalos árabes. De 1968 a 2004, ele foi dono de uma fazenda em Connecticut e foi um notável criador de cavalos. Ele também importou cavalos árabes de qualidade da Polônia, alguns dos quais vendidos por preços recordes.


O Czar da Hollywood Negra -  The  Czar Of Black Hollywood, um filme de 2014 documentário  narrando o início da vida e da carreira de Oscar Micheaux usando videos, fotos e ilustrações dos arquivos da Biblioteca do Congresso  e música do vintage.


 Oscar Devereaux Micheaux ( 02 de janeiro de 1884 - 25 de março de 1951) foi um autor Americano, o cineasta e produtor independente de mais de 44 filmes. Ele é considerado um cineasta de  sucesso da primeira metade do século XX  e o produtor mais proeminente de filmes de corrida. Ele produziu ambos os filmes mudos e "falados".

Início da Vida e Educação 
Oscar nasceu em uma fazenda em Illinois. Ele foi o quinto filho de Calvin S. e Belle Micheaux, que tinha um total de treze filhos. O seu pai nasceu escravo em Kentucky.  por causa de seu sobrenome, a família de seu pai parece ter sido associada com colonos franco-descendentes. Refugiados huguenotes franceses haviam se estabelecido na Virgínia em 1700; seus descendentes levaram seus escravos para o oeste quando eles migraram para Kentucky após a Guerra Revolucionária Americana.
Para dar  educação às crianças, seus pais se mudaram para a cidade. Oscar frequentou uma escola bem estabelecida por vários anos antes de a família finalmente terem problemas de dinheiro e foram forçados a se mudarem para a fazenda.
 Infeliz, Oscar tornou-se rebelde e descontente. As suas lutas causaram problemas internos dentro da sua família. O seu pai não estava feliz com ele e mandou-o embora para fazer marketing dentro da cidade grande. Oscar encontrou prazer neste trabalho, porque ele foi capaz de falar com muitas pessoas novas e aprendeu muitas habilidades sociais que mais tarde viria a refletir dentro de seus filmes. 
 Aos 17 anos, Oscar mudou-se para Chicago, para viver com seu irmão mais velho, que então trabalhava como garçom. Ele ficou insatisfeito com o que ele via como a forma de seu irmão viver "a vida boa." Ele alugou seu próprio lugar e encontrou um emprego em currais, o que ele achou difícil. ele trabalhou muitos trabalhos diferentes, movendo-se a partir dos currais para as siderúrgicas.


Rainer Werner  Documentário
Rainer Werner Fassbinder,  foi um ator, dramaturgo, diretor de teatro, cineasta e compositor, editor e ensaísta. Ele é amplamente considerado uma figura proeminente e catalisador do movimento do Novo Cinema Alemão.
Em 31 de maio de 1945, nasceu Rainer Werner Fassbinder na pequena cidade de Bad Wörishofen. Ele nasceu três semanas depois que o Exército dos EUA ocupou a cidade e a rendição incondicional da Alemanha. As consequências da Segunda Guerra Mundial marcaram profundamente sua infância e a vida de sua família. Em conformidade com os desejos de sua mãe, Rainer afirmou mais tarde que ele nasceu em 1946, para mais claramente se estabelecer como uma criança do período pós-guerra; sua verdadeira idade foi revelada pouco antes de sua morte.  Ele era filho único de Liselotte Pempeit (1922-93), uma tradutora, e Helmut Fassbinder, um médico que trabalhava no apartamento do casal em Sendlinger Straße,  perto do distrito da luz vermelha de Munique.  Aos três meses, ficou com um tio e uma tia paternos no campo, pois seus pais temiam que ele não sobrevivesse ao inverno com eles. Ele tinha um ano de idade quando foi devolvido aos pais em Munique.  A mãe de Rainer veio da Cidade Livre de Danzig (agora Gdańsk, Polônia), de onde muitos alemães fugiram após a Segunda Guerra Mundial. Como resultado, vários parentes dela foram morar com eles em Munique.
Os pais de Rainer eram membros cultos da burguesia. Seu pai se concentrou principalmente em sua carreira, que ele viu como um meio de saciar sua paixão por escrever poesia. Sua mãe também o ignorava em grande parte, passando a maior parte do tempo com o marido trabalhando em sua carreira. 
Em 1951, Liselotte Pempeit e Helmut Fassbinder se divorciaram. Helmut mudou-se para Colônia enquanto Liselotte criava seu filho como mãe solteira em Munique.  Para sustentar a si mesma e ao filho, Pempeit aceitou hóspedes e encontrou emprego como tradutora de alemão para inglês. Quando estava trabalhando, costumava mandar o filho ao cinema para passar o tempo. Mais tarde na vida, Fassbinder afirmou que via pelo menos um filme por dia, às vezes até quatro por dia. Durante esse período, Pempeit costumava ficar longe de seu filho por longos períodos enquanto ela se recuperava da tuberculose.  Na ausência de sua mãe, Rainer foi cuidado pelos inquilinos e amigos de sua mãe. Como costumava ficar sozinho, acostumou-se com a independência e, assim, tornou-se um jovem delinquente. Ele entrou em conflito com o amante mais jovem de sua mãe, Siggi, que morava com eles quando Rainer tinha cerca de oito ou nove anos. 
Em 1959, o jornalista Wolff Eder (c.1905-71), se tornou seu padrasto, e eles tiveram um relacionamento difícil. 
No início de sua adolescência, Rainer se revelou homossexual. 
Rainer  foi mandado para um internato. Seu tempo lá foi prejudicado por suas repetidas tentativas de fuga, e ele acabou abandonando a escola antes de qualquer exame final. 
Em 1960, ele se mudou para Colônia com seu pai. Embora discutissem constantemente, Rainer ficou com o pai por alguns anos, enquanto frequentava a escola noturna. Para ganhar dinheiro, ele trabalhou em pequenos empregos; ele também ajudou seu pai, que alugou apartamentos miseráveis ​​para trabalhadores imigrantes. Rainer começou a mergulhar no mundo da cultura, escrevendo poemas, peças curtas e histórias.
Em 1963, aos 18 anos, Rainer voltou a Munique com planos de frequentar a escola noturna com a ideia de estudar teatro. 
Entre 1964 a 1966, seguindo o conselho de sua mãe, teve aulas de atuação e frequentou o estúdio Fridl-Leonhard para atores.  Lá, ele conheceu Hanna Schygulla, que se tornaria uma de suas atrizes mais importantes.  Durante este tempo, ele fez seus primeiros filmes de 8 mm e trabalhou como assistente de direção, homem do som ou em pequenos papéis de atuação Nesse período, também escreveu a peça trágico-cômica: Drops on Hot Stones. Para obter entrada na Escola de Cinema de Berlim, Rainer enviou uma versão cinematográfica de sua peça Parallels. Ele também participou de vários filmes de 8 mm, mas foi recusado.
Ele voltou para Munique, onde continuou a escrever. Também realizou dois curtas-metragens, The City Tramp (Der Stadtstreicher, 1966) e The Little Chaos (Das Kleine Chaos, 1967). Filmados em preto e branco, eles foram financiados pelo amante de Rainer, Christoph Roser, um aspirante a ator, em troca de papéis principais.  Rainer atuou em ambos os filmes, que também apresentavam Irm Hermann. Neste último, sua mãe - sob o nome de Lilo Pempeit - desempenhou o primeiro de muitos papéis nos filmes de seu filho.Em 1969, o eu primeiro longa-metragem foi um filme de gângster chamado Love Is Colder Than Death 
Em 1972,  conseguiu seu primeiro sucesso comercial doméstico com The Merchant of Four Seasons 
Em 1974, o seu primeiro sucesso internacional com Ali: Fear Eats the Soul (1974). 
 Projetos de grande orçamento
Em 1978 Despair.
Em 1981, Lili Marleen e Lola.
Filmes focados em temas gays  e lésbicos.
Em 1972,  The Bitter Tears of Petra von Kant.
Em 1975, Fox and His Friends (1975).
Em 1976, o Satan's Brew
Em 1978, In a Year with 13 Moons.
Em 1979, seu maior sucesso veio com The Marriage of Maria Braun, narrando a ascensão e queda de uma mulher alemã após a Segunda Guerra Mundial.   
Em 1982,  Querelle.
Rainer Fassbinder teve relações sexuais com homens e mulheres
Ele raramente mantinha sua vida profissional e pessoal separada e era conhecido por escalar parentes, amigos e amantes em seus filmes. No início de sua carreira, ele teve um relacionamento duradouro, mas fragmentado, com Irm Hermann, uma ex-secretária que ele forçou a se tornar uma atriz.  Fassbinder normalmente a escalava para papéis nada glamorosos, principalmente como a esposa infiel em O Mercador das Quatro Estações e a assistente silenciosa e abusada em As Lágrimas Amargas de Petra von Kant.
Enfant Terrible é um drama alemão de 2020 dirigido por Oskar Roehler sobre Rainer

Irm Hermann o idolatrava, mas Rainer Fassbinder a atormentou e torturou por mais de uma década.  Isso incluía violência doméstica: "Ele não conseguia conceber que eu o recusasse e tentou de tudo. Quase me espancou até a morte nas ruas de Bochum ..." 
Em 1969, enquanto interpretava o papel principal no filme para TV Baal sob a direção de Volker Schlöndorff, Fassbinder conheceu Günther Kaufmann, um ator bávaro que teve um papel secundário no filme. Apesar de Kaufmann ser casado e ter dois filhos, Rainer Fassbinder se apaixonou perdidamente por ele. Os dois começaram um caso turbulento que acabou afetando a produção de Baal. Fassbinder tentou comprar o amor de Kaufmann, escalando-o para papéis principais em seus filmes e comprando-lhe presentes caros. Kaufmann apreciou a atenção e tornou-se mais exigente. Fassbinder comprou para ele quatro Lamborghinis no período de um ano; Kauffmann destruiu um e vendeu os outros se eles não atendessem às suas expectativas. A relação chegou ao fim quando Kaufmann se envolveu romanticamente com o compositor Peer Raben. Após o fim de seu relacionamento, Fassbinder continuou a escalar Kaufmann em seus filmes, embora em papéis menores. 
Kaufmann apareceu em 14 filmes de Fassbinder, com o papel principal em Whity (1971).
Embora afirmasse ser contra o matrimônio como instituição, em 1970 Fassbinder casou-se com Ingrid Caven, uma atriz que regularmente aparecia em seus filmes. A recepção de casamento deles foi reciclada no filme que ele estava fazendo na época, O Soldado Americano. Seu relacionamento de admiração mútua sobreviveu ao fracasso completo de seu casamento de dois anos. "A nossa era uma história de amor, apesar do casamento", Caven explicou em uma entrevista, acrescentando sobre a sexualidade de seu ex-marido: "Rainer era um homossexual que também precisava de uma mulher. É tão simples e tão complexo." 
As Mulheres de Fassbinder ( Frauen über R. W. Fassbinder 1992) - Documentário para a televisão alemã feito por Thomas Honickel. Margit Carstensen, Irm Hermann, Hanna Schygulla e (brevemente) Rosel Zech são entrevistadas. (60 minutos)
As mulheres mais importantes da vida de Fassbinder, Irm Hermann, Ingrid Caven e Juliane Lorenz, sua última parceira, não foram perturbadas por sua homossexualidade. 
Em 1971, Rainer começou um relacionamento com El Hedi ben Salem, um berbere marroquino que havia deixado sua esposa e cinco filhos no ano anterior, após conhecê-lo em um balneário gay em Paris. [Nos três anos seguintes, Salem apareceu em várias produções de Fassbinder. Seu papel mais conhecido foi como Ali em Ali: Fear Eats the Soul (1974). 
O relacionamento de três anos foi pontuado por ciúme, violência e uso de drogas e álcool pesadas. 
Em 1974, Rainer terminou o relacionamento devido ao alcoolismo crônico de Salem e tendência a se tornar violento quando bebia. Pouco depois da separação, Salem esfaqueou três pessoas (nenhuma fatal) em Berlim e teve que ser contrabandeada para fora de Berlim.  Salem acabou indo para a França, onde foi preso e encarcerado.
Em 1977, Salem se enforcou enquanto estava sob custódia.  Notícias do suicídio de Salem foram ocultadas de Fassbinder por anos. Ele finalmente descobriu sobre a morte de seu ex-amante pouco antes de sua própria morte em 1982 e dedicou seu último filme, Querelle, a Salem. 
O próximo amante de Fassbinder foi Armin Meier. Meier era um ex-açougueiro quase analfabeto que passou seus primeiros anos em um orfanato. Ele também apareceu em vários filmes de Fassbinder neste período. Um vislumbre de seu relacionamento conturbado pode ser visto no episódio de Fassbinder para a Alemanha no outono (1978). Fassbinder terminou o relacionamento em abril de 1978. Durante a semana do aniversário de Fassbinder (31 de maio), Meier deliberadamente consumiu quatro frascos de pílulas para dormir e álcool na cozinha do apartamento que ele e Fassbinder haviam compartilhado anteriormente. Seu corpo foi encontrado uma semana depois. 
Irm e Rainer cena

Em 1977, Irm Hermann se envolveu romanticamente com outro homem e ficou grávida dele. 
Rainer Fassbinder a pediu em casamento e se ofereceu para adotar a criança; ela recusou. Nos últimos quatro anos de vida de Rainer, sua companheira foi Juliane Lorenz (nascida em 1957), a montadora de seus filmes durante os últimos anos de sua vida. Ela pode ser vista em um pequeno papel como secretária do produtor de cinema em Veronika Voss. De acordo com Lorenz, eles pensaram em se casar, mas nunca o fizeram. Embora tenham sido relatados como se separando em seu último ano,  uma acusação que Lorenz negou, eles ainda viviam juntos no momento de sua morte. 


Room 666  is a 1982 documentary film directed by German film director Wim Wenders. During the 1982 Cannes Film Festival, Wenders set up a static camera in room 666 of the Hotel Martinez and provided selected film directors a list of questions to answer concerning the future of cinema. Each director is given one 16 mm reel (approximately 11 minutes) to answer the questions. The principal question asked was, "Is cinema a language about to get lost, an art about to die?" Wenders then edited this footage and added an introduction. Directors interviewed include Steven Spielberg, Jean-Luc Godard, and Rainer  who died less than a month after filming. 
Em 10 de junho de 1982, aos 37 anos, Rainer morreu de um coquetel letal de cocaína e barbitúricos. Sua carreira durou menos de duas décadas, mas ele foi extremamente prolífico; ele completou mais de 40 longas-metragens, duas séries de televisão, três curtas-metragens, quatro produções de vídeo e 24 peças.


21 Richard Linklater (2014) Este perfil do diretor independente Richard examina sua vida e processo criativo na tentativa de explicar a mentalidade que trouxe "Jovens, Loucos e Rebeldes"  "Boyhood " e " Antes do Amanhecer "trilogia para a  grande Tela do cinema.
18-  Richard Stuart Linklater  (nascido em 30 de julho de 1960) é um diretor de cinema americano e roteirista. Como cineasta, Richard é conhecido por seus filmes humanistas que giram principalmente em torno de relações pessoais, cultura suburbana, e os efeitos da passagem do tempo.


A Vida é Bela (1997)
O gentil garçom judeu-italiano, Guido (Roberto Benigni), reúne-se Dora (Nicoletta Braschi), uma professora de escola bonita, e ganha-a com o seu charme e humor. Eventualmente, eles se casam e têm um filho, Giosué (Giorgio Cantarini). A sua felicidade é abruptamente interrompida, no entanto, quando Guido e seu filho são separados de Dora e levados para um campo de concentração. Determinado a proteger o seu filho, dos horrores a sua volta, Guido convence Giosué que seu tempo no acampamento é apenas um jogo.
  Parte do filme veio da própria história familiar de Roberto; antes do nascimento de Roberto, seu pai, tinha sobrevivido a três anos de internamento num campo de concentração.Ele co-escreveu, dirigiu e atuou no filme , A Vida é Bela, que lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator e do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.
19- Roberto Benigni Remigio (nasceu 27 de outubro, 1952) é um judeu italiano, ator, comediante, diretor e roteirista.  Ele interpretou o filho do inspetor Clouseau no Filho da Pantera Cor de Rosa (1993) colaborou com o cineasta Jim Jarmusch em três de seus filmes: Daunbailó(1986), Uma Noite Sobre a Terra(1991) e Coffee e Cigarros (2003).

Roman Polanski: Querido e Desejado é um filme de 2008. Ele examina os eventos que levaram à Roman fugir dos Estados Unidos depois de ser envolvido em um julgamento controverso, e seu reencontro instável com seu país de adoção.
Em 1977, o cineasta Roman  enganou, despojou, drogou, estuprou e brutalmente sodomizou uma adolescente de 13 anos. Condenado por essas atrocidades, ele fugiu dos EUA para trabalhar  mais livre e alegre França.
Em 1977, o cineasta Roman Polanski enganou, despojou, drogou, estuprou e brutalmente sodomizou uma adolescente de 13 anos. Condenado por essas atrocidades, ele fugiu dos EUA para trabalhar  mais livre e alegre na França.
 O seu biógrafo, Thomas Kiernan relata seus crimes em: O Roman Polanski História.
 " Ele abriu uma garrafa de champanhe, a jovem hesitou, dizendo-lhe que a última vez que ela tinha bebido champanhe, ela tinha ficado violentamente doente. Ela era asmática, e o espumante tinha  provocado lhe um ataque de asma."
 - "Champanhe francesa, nunca poderá machucá-la." Roman respondeu
 Ela bebeu um copo para acalmá-lo. Em breve "ela sentiu seus pulmões começarem a se contraírem."
- "Salte na banheira de água quente, isto irá fazer você se sentir melhor." disse Roman
 -"Eu realmente não me sinto bem, eu deveria não ter tomado champanhe." Ela reclamou novamente sobre sua tontura e falta de ar.
Ele deu-lhe um comprimido, assegurando-lhe:
-  "Este comprimido ira contrariar os efeitos do champanhe ".
 Acreditando, a menina tomou o comprimido. Ele não dize a ela que o tablete não era uma pílula anti-asma mas um  Quaalude [ilegal].
 A menina entrou em um  torpor profundo deslizando para a inconsciência. Ela estava tremendo e chorando pálida e murmurou bêbada e com respiração estridentes:
- "Eu estou doente. Eu quero ir para casa."  Muco saiam de suas narinas. Ela perdeu o controle da bexiga e estava febril.
Roman se preocupou em ser preso com uma "adolescente americana nua no meio de uma crise potencialmente fatal." Ele " perguntou se ele deveria chamar uma ambulância ou a polícia. Ele decidiu esperar."
 Por que não ambulância? Em um filme, ela deveria morrer, seus amigos de Hollywood poderiam ajudar a se livrar do corpo.  Ainda assim, para não desperdiçar uma oportunidade de estupro, Roman estuprou a menina inconsciente.
Com sua respiração ainda prejudicada pelos efeitos da Quaalude e champanhe, ela imediatamente  vomitou. Ela tentou gritar, mas não poderia produzir um som.
 Eventualmente, ela reviveu. Ele dirigiu a menina para casa, deixando-a na porta da frente.
 Agora aqueles que têm seguido Roman sabe que ele estupra crianças regularmente. Thomas informou que "Roman simplesmente não conseguia entender por que estuprar uma criança deve ser uma preocupação para qualquer um.
- Eu tenho "ferrado" muitas meninas mais jovens do que está, e ninguém deu a mínima." Disse ele
 Lembro-me de uma história francesa de Roman com as meninas púberes que ele seduziu.
-  "Eu amo raparigas muito jovens." Roman
Para compensar a repulsa geral das pessoas, Roman tem uma campanha de relações públicas que atua constantemente em sua trágica infância na Segunda Guerra Mundial. Ele nasceu judeu. Ele viveu durante o Holocausto. Em 2005 ele ganhou o Oscar para o filme O Piano.
O prêmio manda uma mensagem para as mulheres.
" Queridas, vocês não valem nada,  nós homens podemos estupra-las e continuar trabalhando e recebendo prêmios nesta sociedade ideológica onde a bíblia nos guia, a vocês cabe nos aplaudir, admirar e nos defender, isso se chama diversão e entretenimento."
20- Roman Polanski (nascido Raymond Thierry Liebling; 18 de agosto de 1933) é um diretor, produtor, escritor e ator polonês-francês. Polanski também é um fugitivo do sistema de justiça criminal dos EUA; ele fugiu do país em 1977 enquanto aguardava a sentença por relação sexual ilegal com um menor.
Seus pais judeus poloneses mudaram a família de volta de Paris para Cracóvia em 1937. Dois anos depois, a Polônia foi invadida pela Alemanha nazista no início da Segunda Guerra Mundial e os Polanskis se viram presos no Gueto de Cracóvia. Depois que sua mãe e seu pai foram levados em ataques, Polanski passou seus anos de formação em lares adotivos sob uma identidade adotada, sobrevivendo ao Holocausto.
O primeiro longa-metragem de Polanski, Knife in the Water (1962), foi feito na Polônia e foi indicado ao Oscar dos Estados Unidos de Melhor Filme Estrangeiro.  No Reino Unido, dirigiu três filmes, começando com Repulsion (1965). Em 1968, mudou-se para os Estados Unidos e consolidou seu status ao dirigir o filme de terror O Bebê de Rosemary (1968).
Uma virada em sua vida ocorreu em 1969, quando sua esposa grávida, Sharon Tate, e quatro amigos foram brutalmente assassinados por membros da Família Manson. Após a morte de Tate, Polanski voltou para a Europa e continuou dirigindo. Ele fez Macbeth (1971) na Inglaterra e Chinatown (1974) em Hollywood. [9] Seus outros filmes aclamados pela crítica incluem Tess (1979), The Pianist (2002), Oliver Twist (2005), The Ghost Writer (2010), Carnage (2011), Venus in Fur (2013), Based on a True Story (2017) e um oficial e um espião (2019).
Ao longo de sua carreira, Polanski recebeu cinco indicações ao Oscar, ganhando o Oscar de Melhor Diretor em 2003 por O Pianista. Ele também recebeu dois Globos de Ouro, dois BAFTAs, uma Palma de Ouro do Festival de Cinema de Cannes de 2002 na França, bem como vários Césars. Em 1989, Polanski casou-se com a atriz Emmanuelle Seigner. Eles têm dois filhos juntos.

Encargos dos sonhos - Burden of Dreams (1982) Werner Herzog, Klaus Kinski, Claudia Cardinale. Cineasta Werner é luta de três ano para completar o filme "Fitzcarraldo", que ele atirou na selva amazônica. Atormentado por problemas de produção ... incluindo a doença, o mau tempo e hostilidade dos índios locais ... Werner persevera, declarando: "Se eu abandonar este projeto, eu seria um homem sem sonhos", produzido por Les em branco. O calvário de Werner joga como o drama que está sendo filmado.

- Werner Herzog (que significa "duque" em alemão), nome artístico de Werner H. Stipetic ( 5 de setembro de 1942), é um premiado cineasta alemão.
 Os seus pais eram croatas. Quando ele fez 12 anos,  compartilharam um apartamento com Klaus Kinski em Munique. Sobre esse fato, Werner declarou: "Eu sabia naquele momento que eu me tornaria um diretor de cinema e que eu iria dirigir Klaus." O seu ator preferido era Klaus Kinski, apesar das relações tumultuosas entre os dois.
                                             Werner and Klaus
Neste mesmo ano, ele foi aconselhado a cantar em frente a sua classe na escola e ele se recusou veementemente. E por isto ele quase foi expulso do colégio e até os 18 anos ele não ouviu música alguma, não tocou instrumento nenhum e muito menos estudou qualquer instrumento. Depois ele chegou a declarar que daria 10 anos de sua vida para ser capaz de tocar algum instrumento. 
Aos 14 anos ele se inspirou em um termo de uma enciclopédia sobre cinema, que ele dizia que "continha tudo que ele precisava para começar" como cineasta - isto é a câmera 35mm que ele roubou da Escola de Cinema de Munique. 
Ele recebeu seu diploma pós-secundarista na Universidade de Munique e apesar de ter ganho uma bolsa escolar para uma universidade em,Pensilvânia, ele abandonou a faculdade em poucos dias e viajou até o México onde ele trabalhou em um rodeio.
No início dos anos 60, ele trabalhou como metalúrgico em uma fábrica de aço como forma de ajudar a financiar seu primeiro filme.
Werner é sempre associado ao movimento do Novo Cinema Alemão. Ele não se considerava um membro desse movimento, mas, sem dúvida, era um importante simpatizante.
Os seus filmes contêm sempre heróis com sonhos impossíveis ou pessoas com talentos únicos em áreas obscuras.
Ele dirigiu mais de sessenta filmes, entre muitos outros filmes estão:  Nosferatu: Phantom der Nacht (1979), uma nova visão sobre o clássico de Murnau, de 1922 e Fitzcarraldo (1982).
Ele trabalhou com atores e personalidades brasileiras como José Lewgoy, Grande Otelo, Milton Nascimento,  Tarcísio Filho, dentre outros.
Família
Werner casou-se por três vezes e teve 3 filhos. Em 1967,  casou-se com Martje Grohmann, com quem teve um filho no ano de 1973, Rudolph Amos Achmed. Em 1980 a sua filha Hanna Mattes nasceu do casamento com Eva Mattes. Em 1987, ele casou com Christine Maria Ebenberger. O filho deste casamento, Simon David Alexander Herzog, nasceu em 1989. Em 1995 ele conheceu a fotógrafa Lena Pisetski. Eles se casaram em 1999 e agora estão morando em Los Angeles.



Diretor de Arte

O Homem no Nariz de Lincoln - The Man on Lincoln's Nose é um filme documentário curto 2000 americano sobre o diretor de arte Hollywood Robert F. Boyle, dirigido por Daniel Raim.
Robert Francis  Boyle (10 de outubro de 1909 - agosto 1 de 2010)  foi um diretor de arte e produção de filmes de designer americano.
Nascido em Los Angeles, se formou  arquiteto. Quando perdeu o emprego nesse campo durante a Grande Depressão, ele encontrou trabalho em filmes como um extra. Em 1933 ele foi contratado como desenhista no departamento de arte Paramount Pictures, Começando com Cecil B. DeMille O Plainsman, ele passou a trabalhar em uma variedade de filmes como desenhista e diretor de arte assistente antes de se tornar diretor de arte da Universal Studios no início dos anos 1940.
Ele colaborou várias vezes com Alfred Hitchcock, Saboteur (1942), North by Northwest (1959), Os Pássaros (1963), e Marnie (1964).  Robert descreveu seu relacionamento com Hitchcock como; "  Um encontro de iguais:. o diretor que sabia exatamente o que queria, e o diretor de arte que sabia como fazê-lo "
Outros créditos de Robert incluem It Came from Outer Space, Cape Fear, A Sangue Frio, Fiddler on the Roof, O complexo de Portnoy, Inverno Kills, Mame, W. C. Campos e Me, O Shootist, Private Benjamin, manter-se vivo, e Troop Beverly Hills.

Durante o curso de sua carreira, ele foi indicado quatro vezes para o Oscar de Melhor Direção de Arte, mas nunca ganhou. Em 1997, ele recebeu o prêmio Lifetime Achievement do Art Directors Guild, e ele foi eleito um Oscar honorário pelo Conselho de Governadores da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, "em reconhecimento de uma das grandes carreiras de cinema na direção de arte", que ele recebeu durante a cerimônia do Oscar 80 a 24 de fevereiro de 2008. com a idade de 98, ele tornou-se o mais velho vencedor de sempre de um prêmio honorário na história do Oscar. Apesar de estar em má saúde e chegar à cerimônia em uma cadeira de rodas, ele insistiu em caminhar no palco, ao lado de Nicole Kidman, para receber a honra.

Diretor de Elencos

Casting By - Elenco Escolhido Por
Uma viagem em ritmo acelerado através do último meio século de história de Hollywood a partir de uma nova perspectiva, o documentário holofotes, o herói desconhecido do cinema - o diretor de elenco.
 O filme examina o início da carreira de Marion. Ela montou seu primeiro escritório de elencos - Marion Dougherty Associates - em  Nova York em meados da década de 1960.
 A empresa logo se tornou o local ideal para diretores e atores, que vieram para o seu escritório não convencional para audições ou muitas vezes apenas para fazer contato com os amigos.
 Marion mudou para Hollywood na década de 1970 depois de se tornar chefe  na Paramount Pictures. Baseando-se em suas experiências em Nova York. Ela mais tarde foi contratada pela Warner Brothers, onde passou mais de duas décadas em uma carreira profissional de mais de 50 anos.
- "É fácil esquecer que cada personagem começa a vida como apenas palavras em uma página. É preciso a colaboração de um grande diretor de elenco para fazer esse magnífico personagem e o filme." diretor Tom Donahue
Marion Dougherty Caroline (09 de fevereiro de 1923 - 04 de dezembro de 2011) foi uma diretora de elenco americano. Ela é conhecida por filmes, tais como: O Mundo de Henry Orient, Perdidos na Noite, Me, Natalie, Os Viciados, Grease,  Cowboy do Asfalto, O Mundo Segundo Garp, e Batman.


                                                            Produtores



A História Não autorizada de Melrose Place
Os bastidores dos momentos que moldaram "Melrose Place a partir do drama de elenco para Heather Locklear chegar para" salvar "o show para os atores implorando os escritores para criar linhas de história ainda mais selvagem, a fim de torná-los os favoritos dos fãs.
A série se passa no condomínio Melrose, em Los Angeles, onde as vidas de seus locatários se cruzam em diversas situações envolvendo ambição, sexo, traições e até mesmo assassinatos. Do elenco original, somente Thomas Calabro, que interpretava o médico mal caráter Michael Mancini, permaneceu em todas as temporadas. A série foi exibida nos Estados Unidos de 1992 a 1999.  No Brasil de 1994 a 1998, pela Rede Globo, e reprisado posteriormente pela Rede Bandeirantes. Também foi exibido no canal pago TeleUno.

 Aaron Spelling (22 de abril de 1923 —  23 de junho de 2006) foi um dos mais bem sucedidos e diversificados produtores da história da televisão. Foi casado com a atriz Carolyn Jones, e pai de Tori Spelling.
Ele serviu ao exército durante a Segunda Guerra Mundial e chegou à Hollywood como ator, fazendo pequenas aparições em filmes. No entanto, ele logo passou a escrever para programas de TV.
Ele foi creditado como produtor pela primeira vez em Zane Grey Theater e foi nesse campo que ele deixou sua marca. De Honey West e Mod Squad, Spelling foi o produtor executivo de muitas séries de sucesso dos anos 60,70 e 80.
As suas séries estavam entre as mais influentes. Ele trabalhou em:
 
A Ilha da Fantasia - As Panteras - Barrados no Baile - Casal 20 -   O Barco do 
Amor - Dinastia - S.W.A.T


 Darren Star (1961) é um produtor de televisão estadunidense, produtor de filmes e, ainda, escritor de séries, mais conhecido pelo sucesso das séries Barrados no Baile, Melrose Place (em ambas co-produtor com Aaron Spelling), e de Sex and the City. Além de ter dirigido estas séries, escreveu pessoalmente diversos guiões e dirigiu muitos dos episódios.
Entre outros trabalhos dele, encontramos a comédia Grosse Pointe, que é descrita pelo próprio Darren como uma sátira a 90210. O seu mais recente trabalho em televisão inclui Central Park West (1995), The $treet (2000) e Miss Match (2003).



The Last Tycoon
In October 1939, American novelist F. Scott Fitzgerald began writing The Last Tycoon, a fictionalized biography of Thalberg, naming the protagonist Monroe Stahr to represent Thalberg. "Thalberg has always fascinated me", he wrote to an editor. "His peculiar charm, his extraordinary good looks, his bountiful success, the tragic end of his great adventure. The events I have built around him are fiction, but all of them are things which might very well have happened. ... I've long chosen him for a hero (this has been in my mind for three years) because he is one of the half-dozen men I have known who were built on a grand scale." Em 1976: Uma versão cinematográfica foi adaptada para o cinema pelo dramaturgo britânico Harold Pinter, dirigido por Elia Kazan (seu último filme). Foi produzido por Sam Spiegel. Estrelou Robert De Niro como Monroe Stahr e Theresa Russell como Cecelia Brady.
Irving Grant Thalberg (30 de maio de 1899 - 14 de setembro de 1936) foi um produtor de cinema americano durante os primeiros anos do cinema. Ele foi chamado de "O Garoto Maravilha" por sua juventude e capacidade de selecionar roteiros, escolher atores, reunir equipes de produção e fazer filmes lucrativos, incluindo Grand Hotel, China Seas, Camille, Mutiny on the Bounty e The Good Earth. Seus filmes conquistaram um mercado internacional, "projetando uma imagem sedutora da vida americana cheia de vitalidade e enraizada na democracia e na liberdade pessoal", afirma o biógrafo Roland Flamini. 
Ele nasceu no Brooklyn, em Nova York, e quando criança sofreu de uma doença cardíaca congênita que os médicos disseram que o mataria antes de completar trinta anos. Depois de se formar no ensino médio, ele trabalhou como balconista de loja durante o dia e, para adquirir algumas habilidades profissionais, fez um curso noturno de datilografia. Ele então encontrou trabalho como secretário no escritório da Universal Studios em Nova York, e mais tarde foi nomeado gerente do estúdio em Los Angeles. Lá, ele supervisionou a produção de cem filmes durante seus três anos na empresa. Entre os filmes que produziu está O Corcunda de Notre Dame (1923).
Em Los Angeles, ele fez parceria com o novo estúdio de Louis B. Mayer e, depois que ele se fundiu com dois outros estúdios, ajudou a criar o Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Ele foi nomeado chefe de produção da MGM em 1925, aos 26 anos, ajudando a MGM a se tornar o estúdio de maior sucesso em Hollywood. Durante seus doze anos com a MGM, até sua morte prematura aos 37 anos, ele produziu quatrocentos filmes, a maioria dos quais trouxe sua marca e inovações, incluindo conferências de histórias com escritores, pré-estreias para obter feedback precoce e extensas filmagens de cenas para melhorar o filme. Além disso, ele apresentou filmes de terror ao público e foi coautor do "Código de Produção", diretrizes para a moralidade seguidas por todos os estúdios. Durante as décadas de 1920 e 1930, ele sintetizou e fundiu o mundo do drama teatral e dos clássicos literários com os filmes de Hollywood. 



Thalberg foi retratado no filme Man of a Thousand Faces (1957), de Robert Evans, que também se tornou chefe de estúdio.Thalberg criou várias novas estrelas e preparou suas imagens na tela. Entre eles estavam Lon Chaney, Ramon Novarro, John Gilbert, Joan Crawford, Clark Gable, Jean Harlow, Wallace Beery, Luise Rainer, Greta Garbo, Lionel Barrymore e Norma Shearer, que se tornou sua esposa. Ele tinha a capacidade de combinar qualidade com sucesso comercial e foi creditado por alinhar suas aspirações artísticas com as demandas do público. Após sua morte, os produtores de Hollywood disseram que ele foi a "figura mais importante na história do cinema". O presidente Franklin D. Roosevelt escreveu: "O mundo da arte está mais pobre com o falecimento de Irving Thalberg. Seus grandes ideais, visão e imaginação foram canalizados para a produção de suas obras-primas." O Irving G. Thalberg Memorial Award, concedido periodicamente pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas desde 1937, foi concedido a produtores cujo corpo de trabalho refletiu consistentemente filmes de alta qualidade.
O Show Não Pode PararThe Kid Stays In the Picture  Quando Robert  começou sua carreira no cinema em 1956, ele nunca imaginou que se tornaria um dos produtores mais famosos, com raras amizades e romances turbulentos. Este filme mostra a ascensão meteórica, queda e subida novamente do lendário personagem de Hollywood baseado em sua autobiografia.
criança continua no filme, vem de uma frase atribuída ao chefe do estúdio Darryl F. Zanuck, que estava defendendo Robert após alguns dos atores envolvidos no filme Agora Brilha o Sol (1957) haverem recomendado que ele fosse removido do elenco.
 Robert Evans (nascido em 29 junho de 1930) é um produtor de cinema americano e ex-executivo de estúdio, mais conhecido por seu trabalho em O Bebê de Rosemary, Love Story, O Poderoso Chefão e Chinatown.
Robert começou sua carreira em um risco de negócio bem sucedido com o seu irmão, a venda de roupas femininas. 
Em 1956, durante uma viagem de negócios, a atriz Norma Shearer,  achava que ele seria direito de desempenhar o papel de seu falecido marido Irving Thalberg (apropriadamente, outro magnata filme) no Homem das Mil Faces. 
Assim, ele começou uma breve carreira de ator de cinema. 
Em 1962, ele decidiu produzir, usando sua riqueza acumulada do negócio de roupas, e começou uma ascensão meteórica na indústria.
Em 1967, ele foi promovido como chefe de Paramount Pictures. Enquanto estava lá, ele melhorou a sorte  da empresa através de uma série de filmes comercialmente aclamados pela crítica. 
Em 1974, ele deixou o cargo, a fim de produzir seus próprio filmes.
Em 1980, foi condenado por tráfico de cocaína. Ele se declarou culpado de uma contravenção em um tribunal federal depois de ser preso por planejar uma grande compra de cocaína com seu irmão Charles. Como parte de sua barganha, ele filmou um comercial de TV antidrogas.
Ao longo dos próximos 12 anos, ele produziu apenas dois filmes, ambos os fracassos financeiros.
Em 1993, ele começou a produzir filmes em uma base mais regular, com um histórico misto que incluía ambos os fracassos (como Jade em 1995) e sucessos (como Como Perder um Homem em 10 Dias, em 2003, seu filme mais recente).



 Supermensch: A Legenda de Shep Gordon
Um documentário do ator-comediante-diretor Mike Myers, sobre o positivo  Shep Gordon. De Sylvester Stallone ao Dalai Lama, ele fez um rol de amigos leais ao longo dos anos, muitos dos quais aparecem no filme em  seu louvor.
Ele trabalhou em inúmeras produções de cinema, geralmente como produtor. Estes incluí " O Beijo da Mulher-Aranha." Ele então criou a primeira empresa de produção de filmes independentes nos EUA, a Alive Films.
Ele nos ensina três coisas mais importantes que um gerente artístico deve fazer.
1- Pegue o dinheiro.
2- Sempre lembre de pegar o dinheiro.
 3. Nunca se esqueça de sempre lembrar de pegar o dinheiro.
Shep E. Gordon (nascido em 1946) é   agente de filme de Hollywood, gestor de talentos e produtor.

Val Lewton: O Homem nas Sombras - Val Lewton: The Man in the Shadows
Val Lewton nasceu Vladimir Ivan Leventon (7 de maio de 1904 - Los Angeles, 14 de março de 1951 foi um Produtor cinematográfico judeu ucraniano norte-americano. Era sobrinho da atriz da era do cinema mudo Alla Nazimova. Trabalhou Como Produtor Pará um RKO Pictures, Onde produziu filmes de horror Que se tornaram Clássicos do género, between enguias estao OS filmes Sangue de Pantera (1942), A Morta-Viva (1943), O Homem-Leopardo (1943), A Sétima Vítima (1943), A Maldição do Sangue de Pantera (1944) e O Túmulo Vazio (1945), Entre Outros.


Steve McQueen: O homem & Le Mans (2015) examina a busca do ator para produzir e estrelar o filme de 1971 auto-corridas Le Mans. O seu filho Chad McQueen e a ex-esposa Neile Adams estão entre os entrevistados. Depois de se tornar um ator estrela, ele tentou ser Produtor, mas faliu no projeto. 
Steve McQueen nasceu Terence Steven McQueen (24 de março de 1930 — 7 de novembro de 1980), foi um ator americano, sempre lembrado pelos filmes de ação que protagonizou.
Apelidado de "The King of Cool", é considerado um dos maiores atores de todos os tempos e em 1974, ele se tornou o astro de cinema mais bem pago do mundo. Ele também foi um piloto ávido de motocicletas e carros e enquanto estudou atuação, ele passava os finais de semana competindo em corridas de moto e isso contribuiu para que ele próprio realizasse suas cenas de ação dispensando o uso de dublês, especialmente, durante as cenas de perseguição de alta velocidade. 

Funcionários do Ano


E o Oscar vai para ... And the Oscar Goes to (2014), um  documentário sobre a história do Oscar . 
Ao contar a história da estatueta banhada a ouro que se tornou o mais cobiçado prêmio da indústria cinematográfica,.
O filme traça a história da Academia, que começou em 1927, quando Louis B. Mayer, então chefe da MGM, liderou outros membros proeminentes da indústria na formação desta organização honorária profissional. 
Dois anos depois, a Academia começou concedendo prêmios, que foram apelidados de "Oscar" e rapidamente passou a representar o auge da realização cinematográfica.
O documentário apresenta reminiscências de tais vencedores do Oscar® como Steven Spielberg (A Lista de Schindler, 1993; O Resgate do Soldado Ryan, 1998) Ben Kingsley (Gandhi, 1982), Tom Hanks (Filadélfia, 1993; Forrest Gump, 1994), Cher (O Feitiço da Lua, 1987), Jon Voight (Amargo Regresso, 1978), Ellen Burstyn ( 1974), Benicio Del Toro (Traffic, 2000) e Jennifer Hudson (Em Busca de Um Sonho, 2006).  Janet Gaynor ( 1927), James Stewart (Núpcias de escândalo, 1940), Vivien Leigh (E O Vento Levou, 1939), Jack Lemmon ( salvar o tigre, 1973) e Elizabeth Taylor (Butterfield 8, de 1960; Quem Tem Medo de Virginia Woolf, 1966). Além de diretores e artistas, o tributo também é pago para realizações técnicas, incluindo aqueles no design, direção de arte, fotografia, edição, música, maquiagem e figurino.
George Clooney (Syriana - A Indústria do Petróleo, 2005) discute a honra de ganhar, juntamente com o potencial de "humilhação" de perder. 
Helen Mirren (A Rainha, 2006) reconhece a emoção de ganhar prêmios, com a ressalva de que, em algum nível, parece "errado", artistas a ser arrastado para a concorrência.
Liza Minnelli (Cabaret, 1972) recorda que sua mãe, Judy Garland, só deu a ela "uma lição de atuação" - para procurar o significado por trás das palavras. 
 Whoopi Goldberg (Santo, 1990) se lembra de sua própria excitação de ganhar embora reconhecendo a realização de Hattie McDaniel, que se tornou o primeiro artista Africana-Americana para levar para casa um prêmio da Academia, para "E o Vento Levou (1939)". 
-"Quando se trata de ganhar um Oscar®, algumas pessoas agem como se não fosse grande coisa. É um grande negócio!" Whoopi
O especial é embalado com grandes momentos dos 85 anos de cerimônias do Oscar. Incluem-se tais concessões / discursos polêmicos como a vitória de Jane Fonda em Klute (1971), de Michael Moore para Bowling for Columbine (2002) e aparição de Sacheen Littlefeather a declinar Oscar de Marlon Brando para O Padrinho (1972). 


Ilustradores
 Drew O homem Atrás dos Posteres - DREW: The Man Behind The Poster é um filme de 2013 documentário dirigido por Erik Sharkey sobre a carreira do artista americano  Drew Struzan.
O documentário apresenta entrevistas com um número de pessoas, incluindo ele próprio, sua esposa, seu filho, os diretores Steven Spielberg, Guillermo del Toro e George Lucas, e os atores Harrison Ford e Michael J. Fox. 
O filme investiga arte dele para Alice Cooper álbum Welcome to My Nightmare, e também como a sua arte para de Guillermo del Toro Hellboy, Hellboy II: O Exército Dourado, e O Labirinto do Fauno, embora muito admirado por del Toro, foi rejeitado pelo estúdio favor de mais cartazes fotográficos. Isto leva o documentário em uma direção sobre como estúdios de cinema estão interessados mais em lucro ao invés de qualidade, como cartazes de filmes Atualmente mais frequentemente fotografias dos atores em vez de pinturas deles.
O documentário termina no São Diego Comic-Con International em 2010, onde  recebe o Prêmio Inkpot por suas ilustrações. Esta é seguida por imagens de Struzan falando e mostrando suas pinturas pessoais não relacionadas ao filme e como ele gasta seu tempo pintando não para outra pessoa, mas agora para si mesmo, e como muitas vezes ele somente brinca  com o neto, Nico.
Drew Struzan (nascido em 14 de maio de 1947) é um artista americano conhecido por  mais de 150 cartazes para filmes, que incluem todos os filmes do Indiana Jones, de volta para o Futuro, Rambo e Star Wars série de filmes. Ele também pintou capas de álbuns, coleções e capas de livros.


Sellebrity
O cineasta Kevin Mazur examina a obsessão do público com celebridades e fama.

These Amazing Shadows - These amazing Shadows (2010) focuses on an eclectic collection of films considered "culturally, historically or aesthetically significant by the National Film Preservation Council. http://www.happyfamilyinlove.com/2016/06/hollywood-revelado-documentarios-sobre.html            

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